Ce capricii ale artiștilor nu se ascunde în arta mondială! Uneori, să spunem, lucrări foarte controversate și ambigue, precum celebrul „Câine” de Joan Miró, uneori costă milioane de dolari. Dar în această colecție vom vorbi despre alte lucrări pe care mulți le consideră ciudate și greu de înțeles și vom încerca să aflăm ce se ascunde în ele.
Pictura a fost pictată de artistul american Grant Wood în 1930, iar de-a lungul timpului a devenit una dintre cele mai recunoscute și parodiate imagini din arta americană. Tabloul înfățișează un fermier cu fiica sa (și nu soția sa, așa cum sugerează unii) pe fundalul unei case de sat. Fermierul are o furcă în mână, strânge strâns unealta ca pe o armă. Fiica poartă un șorț de modă veche și părul e strâns înapoi într-un coc.
Ambele personaje par destul de neatractive. Au o privire mohorâtă, trăsături grele, o expresie severă pe fețe. Modelul pentru femeie a fost propria soră a artistului, iar pentru imaginea tatălui, un dentist din Cedar Rapids, Iowa.
O reproducere a „American Gothic” a fost publicată în multe ziare americane, dar publicul a reacționat extrem de negativ. Înșiși locuitorii din Iowa au simțit că artistul a creat o imagine distorsionată și neatractivă a lor. Wood s-a apărat răspunzând că încearcă să creeze doar o imagine colectivă a americanilor, și nu a rezidenților unui anumit stat sau oraș.
Criticii moderni cred că artistul a recurs la satiră. Furca este un simbol al muncii grele, visul american – se presupune că munca grea și persistentă va duce cu siguranță la prosperitate. Și furca se poate referi atât la tridentul zeului Poseidon, cât și la furca diavolului (apropo, cusăturile de pe cămașa fermierului urmează contururile furcii).
Verticalitatea oamenilor și a obiectelor descrise este interesantă: fețe alungite, figuri lungi și subțiri, ferestre înalte ale casei. Aceasta este o referire la arhitectura gotică, unde aspirația ascendentă este una dintre trăsăturile caracteristice.
Expresionismul este o mișcare care în mod deosebit deseori derutează atât spectatorii, cât și criticii de artă. Și este și mai dificil să analizăm expresionismul abstract, căruia îi aparține următorul nostru tablou din colecție.
„No. 5, 1948” a fost creat de artistul american Jackson Pollock în 1948. Tabloul este destul de mare, măsurând 244 × 121 cm, pictat pe plăci de fibre. Imaginea este o colecție amestecată de linii și pete de gri, maro, galben și alb. Este realizat în tehnica tipică a artistului de stropire și turnare a vopselei.
Tabloul a fost expus pentru prima dată în 1949 la expoziția personală a lui Pollock și a fost achiziționat de un artist și dealer filipinez pentru 1.500 de dolari. Partenerul lui de afaceri a fost șocat: „Ai cheltuit bani pe asta?”
Ceea ce s-a întâmplat în continuare a fost și mai interesant: pictura a fost deteriorată în timpul transportului, iar Pollock s-a oferit să repare daunele cumpărătorului. Și, ca rezultat, am rescris-o complet, observând că cumpărătorul tot nu va observa nimic. Cumpărătorul, după cum se dovedește, a observat. Dar tot eram mulțumit.
Astăzi pictura lui Pollock este extrem de faimoasă și valorează deja 140 de milioane de dolari, fiind una dintre cele mai scumpe din lume. Autorul însuși a vorbit despre stilul său de scriere după cum urmează:
"Când sunt în interiorul unui tablou, nu sunt conștient de ceea ce fac. Înțelegerea vine mai târziu. Nu mă tem de schimbări sau distrugeri a imaginii, deoarece pictura își trăiește propria viață. O ajut doar să iasă."
Artistul suprarealist Rene Magritte pune foarte des ghicitori în lucrările sale. Tabloul „Lovers”, creat de el în 1928 la Paris, nu face excepție. Înfățișează un cuplu îndrăgostit care se sărută. Dar capetele ambelor personaje sunt învelite în pânză, nu le vedem fețele, emoțiile.
Există diferite interpretări ale acestui tablou. Potrivit unuia dintre ei, artista sugerează că dragostea este oarbă. Îndrăgostiții nu văd pe nimeni în jur, iar noi nu le vedem adevăratele fețe. Și chiar și unul pentru celălalt sunt, în general, un mister, deoarece sentimentele puternice îi împiedică să privească lucrurile cu sobru și să vadă adevărul.
Cercetătorii văd, de asemenea, în pictură un indiciu al trecutului lui Magritte. Când artistul avea 14 ani, mama lui s-a sinucis aruncându-se în râu. Când a fost scoasă din apă, fața ei era înfășurată într-o cămașă de noapte umedă.
Apropo, această lucrare este una dintr-o serie întreagă care include încă trei picturi. Toate poartă același nume, diferă doar prin numărul de serie și au fost create în același an.
Citește și: „Fiul omului”: ce se ascunde în tabloul provocator al lui Rene Magritte?
Artista mexicană Frida Kahlo a creat zeci de autoportrete. Și una dintre cele mai faimoase lucrări ale ei este pictura „Două Fridas”, pictată în 1939.
Acesta este un autoportret dublu care înfățișează două versiuni ale Fridei. Prima este îmbrăcată într-o rochie victoriană albă și ține în mână forcepsul chirurgical. Iar a doua Frida este îmbrăcată în stil tradițional mexican și ține în mână un portret în miniatură al soțului ei Diego Rivera, de care a divorțat recent. Ambele Frida au inimile deschise și sunt conectate printr-un vas de sânge.
Istoricii de artă interpretează pictura în moduri diferite. De exemplu, se crede că reflectă originile duble ale Fridei: tatăl ei era german, iar mama ei era de origine spaniolă-indiană. A doua versiune spune că mexicana Frida este cea pe care soțul ei, Diego a iubit-o, iar a doua, în alb, este cea pe care a abandonat-o.
Instrumentul chirurgical sugerează viața artistului, plină de durere și intervenții medicale constante. Și inimile goale se pot referi la tradițiile indienilor mexicani și la sacrificiile lor crude.
Citește și: Dragoste insuportabilă pentru viață. Biografia și opera lui Frida Kahlo
Acest tablou ciudat a fost pictat de artistul norvegian Edvard Munch în 1893 și este una dintre cele mai recunoscute lucrări din istoria picturii. Ea aparține expresionismului și este considerată în general impulsul dezvoltării acestei direcții în arta europeană.
Pictura înfățișează un apus de soare roșu și un pod. În centrul compoziției se află o figură antropomorfă ciudată, încremenită într-un strigăt tăcut de groază sălbatică. Elementele naturii din imagine plutesc și curg, creând efectul de ușoară amețeală și separare de realitate.
În opera sa, artistul a încercat să transmită strigătul naturii (apropo, așa a numit însuși Munch pictura). El a fost inspirat să transmită emoții atât de profunde de strigătele persoanelor bolnave mintal dintr-un spital din apropiere și ale animalelor dintr-un abator din apropiere.
Puteți citi mai multe despre această imagine intrigantă în articolul nostru separat.
Vă mulțumim pentru atenție! 🙂 Citește și: „Sărutul” de Klimt. Fapte neașteptate despre faimoasa pictură
